La aplicación de la inteligencia artificial a la música levanta dos grandes cuestiones: cómo puede ayudar al proceso creativo sin anularlo, y si debe afectar a los derechos de autor. Segundo artículo de una serie.

Anterior artículo de la serie: TikTok marca la pauta a la industria musical Colaboraciones fake creadas por un algoritmo, composiciones “cantadas” por voces sintéticas que han sido entrenadas con las de los mejores solistas de siempre, “reciclaje” de canciones que habían caído en el olvido. Nadie duda de que el uso de la Inteligencia Artificial en la música ofrece nuevas posibilidades para la producción, e incluso puede ser un empujón para la creatividad de los artistas emergentes. Pero también parece claro que estas herramientas suscitan un interrogante ético y legal: ¿Cómo garantizar que la IA no se lleva por delante los derechos de autor? En abril de 2023 se viralizó una canción llamada “Heart up my sleeve” en la que sonaban, juntas, las voces del rapero Drake y The Weekend. La melodía era muy parecida a las canciones que suele hacer el primero, con su mismo estilo, y ambos artistas habían colaborado ya varias veces juntos. Nada raro, por tanto, tenía el caso... salvo que ninguno de los dos cantó jamás esa canción. La pieza fue creada utilizando Inteligencia Artificial y publicada por una cuenta anónima de TikTok llamada “Ghostwriter”. No tardó mucho en ser eliminada de todas las plataformas, pero para entonces ya acumulaba millones de escuchas a través de Instagram, TikTok y Spotify. Algo similar volvió a suceder en noviembre, esta vez con un audio llamado “NostalgIA”, con las voces de varios cantantes latinos. Entre ellas, la de Bad Bunny, quien había lanzado su último álbum “Nadie sabe lo que va a pasar mañana” tres semanas antes. Ninguna de las canciones del disco alcanzó el mismo nivel de viralidad que la pieza creada por IA. A Bad Bunny no le hizo ni cinco de gracia, y escribió en su canal de whatsapp a sus fans: “Si les gustó esa canción, no son mis amigos, ni merecen estar en el tour”. Otras veces son artistas conocidos los que echan mano de esta herramienta para “reciclar” contenidos, suyos o de otros, y darles un nuevo uso. En marzo, el DJ David Guetta volvió loco al público de uno de sus sets con una canción del estilo y con la voz de Eminem, que tardó menos de una hora en crear. Más recientemente, Paul McCartney ha presentado la “última canción de los Beatles”, resultado de limpiar de ruidos y añadir instrumentos a una grabación de John Lennon de 1978. Cerrar la brecha Estos son algunos ejemplos del gran potencial que tiene la IA para la producción de música. Todo es posible gracias a una base de datos gigante, llena de creaciones humanas. El algoritmo en cuestión analiza estos datos, estudia los patrones, y en base a esto crea una pieza nueva. Es fácil que lo primero que se venga a la mente cuando pensamos en “música hecha con IA” sea una canción realizada desde cero por un robot, donde la intervención del humano resulte casi inexistente. Sin embargo, más que suplantar la creatividad del artista, estas herramientas muchas veces sirven para potenciarla, o al menos para ofrecerle un cauce de expresión asequible; es decir, permite cerrar la brecha entre la idea y su realización. Una brecha que para muchos es imposible cruzar, ya sea por falta de recursos técnicos o de talento. Como explicaba hace unas semanas en esta entrevista Daniel Ek, el CEO de Spotify, en la época de Mozart o Beethoven solo los genios podían crear una gran composición. A medida que la tecnología fue avanzando, esa actividad se volvió más asequible, lo que supuso, en sentido absoluto, un aumento en el capital musical. Por otra parte, estos adelantos en cuanto a las herramientas permitieron crear nuevos sonidos. Con la IA ocurre lo mismo: aunque los resultados no siempre serán de calidad, no tiene por qué atrofiar la creación artística; más bien puede ayudar a que evolucione. La línea que no se puede cruzar Pero, ¿de qué formas concretas podría esta herramienta ayudar a cerrar la brecha entre la idea y la realidad? Un ejemplo es el de la cantante, compositora y productora Grimes (nombre artístico de Claire Boucher). Esta canadiense creó con su equipo Elf.tech, un software que permite a productores de música usar su voz –la de Grimes– para sus canciones. Así, la cantante se lleva el 50% de las regalías de cualquier pieza exitosa que resulte del programa. Ahora, la artista tiene dos perfiles en Spotify, el suyo propio y uno llamado GrimesAI, donde aparecen todas las canciones que utilizan su voz recreada con inteligencia artificial. Según explicaba en una entrevista con el New York Times, para ella el servicio prestado por Elf.tech no es más que “una ayudita”, en la medida en que esta herramienta simplemente utiliza una voz que es, en origen, humana. Se opone, en cambio, a que la IA intervenga en la creación de la pieza: sea en la escritura, la melodía o la producción. La misma opinión debe de tener el creador de “Heart up my sleeve”, la colaboración fake entre Drake y The Weekend, una canción que aunque falseaba las voces, utilizaba una melodía y una letra originales. Sin embargo, otros artistas sí consideran que “reciclar” la voz de una canción, aunque tenga un origen natural, es ya traspasar una línea roja. La otra cara del problema Más allá del debate teórico sobre hasta dónde se puede llegar con la IA sin erosionar la creatividad, el uso de esta herramienta suscita un problema legal contante y sonante: los derechos de autor. Los artistas –o sus discográficas– son dueños no solo de sus composiciones, sino también de su voz. Es por esto que Grimes, que no tiene ningún compromiso legal con estas compañías, puede ofrecerse a los artistas emergentes y a cambio cobrarles, como está haciendo, el 50% de las regalías. El problema surge cuando, en vez de utilizar directamente la voz de otro artista (algo para lo que siempre debe existir un acuerdo entre las partes), se emplea una herramienta de IA que, simplemente, ha sido “entrenada” con la voz de un autor, o varios. Cuanto mayor sea esta base de datos, el producto final se irá pareciendo menos a los originales, y en el proceso los derechos de autor se van difuminando. Un ejemplo: cuando esta herramienta crea una canción “con el estilo” de Drake, lo que hace no es plagiar una pieza ya hecha de la discografía del rapero, sino analizar los patrones de sus obras y producir algo completamente nuevo. Más que plagio, lo que hace es inspirarse en lo que ha almacenado. ¿Deberían los artistas recibir dinero, entonces? Al fin y al cabo, sus obras son condición necesaria –aunque no suficiente– para desarrollar el nuevo “producto”. Hasta ahora, en la industria musical no se dan regalías por haber inspirado una canción, que sería más o menos este caso, sino por utilizar una composición o melodía originaria de otra persona en el producto final. Los expertos tienen opiniones diferentes frente al asunto. Algunos, como el CEO de Spotify, Daniel Ek, señalan que como no se puede saber a ciencia cierta con qué trabajos y de qué forma se ha llegado a un producto final, los legisladores se deberían centrar en qué tanto de este mimetiza una obra original (Spotify, consecuentemente, admite canciones creadas con IA, salvo que utilicen la voz o un estilo muy marcado de otro artista sin su consentimiento). Karl Fowlkes, abogado de entretenimiento estadounidense, está convencido de lo contrario. Declaró para CNN que “todas las compañías de IA que estén usando obras con derecho de autor para entrenar a sus herramientas, dándoles la oportunidad de crear obras similares, deben ser prohibidas”. Lógicamente, las discográficas también se han posicionado a este lado del debate. UMG (Universal Music Group) le ha pedido a todos los servicios de streaming que impidan a los programas de IA acceder a la música protegida por derechos de autor. En marzo, la Oficina de Derechos de Autor de Estados Unidos publicó una nueva forma de regular el registro del arte. A partir de ahora, se tendrá que especificar si se ha utilizado o no IA. En el fondo, la lucha por los derechos de autor no se puede disociar del debate sobre qué se considera una creación artística, cuál debe ser la relación entre el autor y el producto. Si se quiere avanzar en lo primero, habrá que acordar al menos algunos criterios comunes en lo segundo.

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