Hoy, cuando vivimos rodeados de pantallas, es importante que aprendamos a entender y apreciar las imágenes. Esta breve guía propone algunos ejemplos, elegidos entre lo mejor de las artes y el diseño contemporáneos.

Name: Guía rápida de lo último en cultura visual
Uploaded: 2018-07-23T00:00:00+02:00
Channel: lolo
Description: Hoy, cuando vivimos rodeados de pantallas, es importante que aprendamos a entender y apreciar las imágenes. Esta breve guía propone algunos ejemplos, elegidos entre lo mejor de las artes y el diseño contemporáneos.

Hoy, cuando vivimos rodeados de pantallas, es importante que aprendamos a entender y apreciar las imágenes y el diseño. Junto con la formación que dan los libros, necesitamos adquirir una buena cultura visual. Esta breve guía propone algunos ejemplos, elegidos entre lo mejor de la pintura, la moda, el cómic, el cine y las cubiertas de álbumes musicales. “¿Cuánto vemos?”. Con esta pregunta nos interpela Donis A. Dondis al comienzo de su libro La sintaxis de la imagen, publicado hace 45 años (1). La versión española se ha convertido en un auténtico manual de referencia; ha tenido 25 reimpresiones, y hace poco ha aparecido una nueva edición actualizada. A partir de las investigaciones científicas sobre la percepción visual, Dondis desarrolló los principios de una teoría de la composición gráfica. Su trabajo se enmarca en los importantes estudios que sobre estas cuestiones se publicaron en la segunda mitad del siglo XX. La moda es uno de los fenómenos que han adquirido mayor trascendencia económica y cultural. Es virtualmente la expresión icónica más ubicua Es una de las propuestas sobre gramática visual pioneras y fundamentales. Su éxito se explica no solo por su rigor intelectual, sino también por el esfuerzo divulgativo que desarrolla. Un libro visionario que nos sitúa ante una nueva necesidad: la alfabetización visual. Capítulos como “Elementos básicos de la comunicación visual”, “Técnicas visuales: estrategias de comunicación”… conceptualizan el conocimiento intuitivo que tenemos de la imagen. Pero es en los dos capítulos sobre la alfabetización visual donde afronta la cuestión más importante: la antropológica y social. En una cultura pantallizada resulta muy difícil, por no decir imposible, vivir una ciudadanía crítica, positiva, transformadora, sin una adecuada formación en cultura visual. Posiblemente tengamos que salir de la zona de confort cultural. A cambio, mejorará nuestro desarrollo personal, tendremos recursos adecuados para ejercer protagonismo social. Todo en una pantalla Después de esta reflexión, la siguiente pregunta parece pertinente: ¿hasta dónde debe abarcar nuestra mirada? Si llevamos los discursos visuales a nuestro primer cuarto de siglo XXI, estaríamos hablando de que una adecuada educación visual abarcaría unos conocimientos mínimos que van de la pintura al cine, pasando por los videojuegos y la moda. La convergencia de la imagen en un solo soporte, el de la pantalla del ordenador, de la tableta, y principalmente del smartphone, facilita que todas las expresiones visuales con sus valores, actitudes e ideas se influyan al modo de vasos comunicantes. Viendo un mapa de contenidos tan extenso como apasionante, el texto de la diseñadora y profesora Donis A. Dondis puede servirnos de brújula para iniciar el recorrido. Visitar una feria de arte contemporáneo nos aporta mucho. No hace falta ser un especialista para que suponga una experiencia enriquecedora Hay multitud de información, en papel y soporte electrónico, sobre cultura visual. Las novedades que realmente lo son, están ahí, aunque no surgen tan rápidas como nos dan a entender los titulares de noticias; el talento es un bien escaso. De entre lo más influyente y creativo, les propongo una brevísima selección. Pintura Ferias de Arte Contemporáneo. Visitar una feria de arte contemporáneo nos aporta mucho. No hace falta ser un especialista para que suponga una experiencia enriquecedora. El arte contemporáneo aborda un sinfín de géneros y técnicas imaginables –inimaginables en algunos casos–: desde el realismo más fotográfico al conceptualismo más puro. ARCO en España, arteBA en Argentina, ArtRio en Brasil o Art Basel Miami en EE.UU. son algunas de ellas. Tenemos la oportunidad de presenciar un escaparate del arte actual, con calidades desiguales. Sí, también es un mercado, pero a no ser que vayamos a comprar, no tiene sentido ir preguntando precios. Recomiendo abandonar los prejuicios antes de entrar en el recinto. Dejarnos seducir por la obras que nos atraigan en algún sentido. Conocer, reflexionar, disentir, disfrutar, compartir… Estos eventos están bien organizados, con actividades para niños, cafeterías, restaurantes. Pueden ser un buen plan familiar. En el peor de los casos, si no tenemos posibilidad de asistir, hacernos con el catálogo. Albert Oehlen (Alemania, 1954). Su obra es de grandes dimensiones, abstracta. Una abstracción particular, que se codea con figuraciones metamorfoseadas y literales de la realidad. Le gusta usar el collage. Incluso cuando no lo utiliza, se advierten yuxtaposiciones en sus cuadros. Movimiento, desgarro, armonía, iconicidad. Son algunas de las impresiones que percibimos. En ocasiones observamos una reflexión sobre la pintura, los elementos estructurales que la componen. No le gusta teorizar sobre su trabajo: “Que cada uno piense lo que quiera. Me aburre hablar de significados. No busco entendimientos ni complicidades con el público. Cada cual es libre de sus sensaciones” (El País, 1-02-2013). Considerado uno de los artistas más consagrados, es fácil encontrar en sus pinturas ecos del arte pop, de lo mejor de la abstracción del siglo XX y de la que está por venir. Dan Witz (EE.UU., 1957). Pionero del street art, fue activista de Amnistía Internacional y músico. “Soy un pintor académico realista, pero vivo en el siglo XXI, así que no voy a pintar soldados romanos invasores, o alguna composición barroca gótica… La más alta aspiración de un pintor académico realista son estas pinturas de figuras en un gran grupo, y como tema estoy usando la escena hardcore” (Gráffica, 31-01-2018). Así describe su pintura D. Witz, con gran sentido común, dándonos pistas de alguna de sus fuentes de inspiración. La serie más conocida es Mosh Pits, que va de 2010 a 2018. En ella pone a prueba su capacidad de realismo, trazando imágenes fascinantes de las aglomeraciones humanas durante los conciertos. Parte de fotografías tomadas en vivo que plasman la tensión del auditorio, la extraña belleza que construyen el lenguaje corporal y las expresiones faciales en esos momentos. Las relaciones humanas a veces en el límite, siempre incontroladas de los participantes en estos tumultos. Kris Van Assche, director artístico de Dior Homme, saca partido a la fuerza de este retrato social. Ha diseñado una colección completa dentro de la temporada menswear A/W 2017-18 con estampados de Witz. Es una de las uniones cada vez más numerosas e insólitas que se dan entre las artes. En este caso, de una marca de lujo con la escena musical underground. Cómic Entender el cómic (1993). Scott McCloud. Uno de los mejores ensayos sobre el discurso del cómic que se han escrito. Fácil de leer y profundo. El libro, un metacómic, lo protagoniza el propio ilustrador. Desde el escenario de su estudio nos lleva por los vericuetos semánticos, técnicos del arte secuencial. Delicioso, sorprendente. Hará que apreciemos con otra visión el cómic clásico. Diría que es casi imprescindible para iniciarse en la novela gráfica contemporánea. Black Dog. Los sueños de Paul Nash. Dave McKean. En la biografía de Paul Nash, uno de los grandes artistas británicos cuya obra abraza la Gran Guerra y los años posteriores, McKean vuelve a conjugar de manera única su talento gráfico. Inspirándose en el arte de Nash, lo reinterpreta con variaciones gráficas que modifica al hilo de la narración. No son fuegos de artificio: es una técnica que hace posible su habilidad artística y su conocimiento enciclopédico de la ilustración. Utiliza lápiz, acuarelas, acrílicos, fotografías, medios digitales, con amplia gama de procedimientos. Una representación múltiple que genera una comprensión profunda del mundo maravilloso y terrible, soñado y vivido por Nash. Requiere una lectura pausada, atenta a los detalles ilustrados que narran elocuentemente la historia. Estamos ante una de esas creaciones en las que el bagaje cultural importa para que la experiencia sea completa. Sin embargo, la belleza gráfica es tan intensa que cautivará a cualquier lector. Aquí (2014). Richard McGuire. Autor polifacético. La novela transcurre en el salón de su casa a doble página, desde el mismo punto de vista, durante un arco temporal de millones de años. Asombra el planteamiento, y más el resultado logrado. Con un gran laconismo nos describe momentos vividos, de la naturaleza, de la historia –sin cronología en el tiempo, salta adelante y atrás–. “Cuando decidí que dibujaría la casa familiar, mis padres murieron y mis hermanos y yo tuvimos que venderla. Aquello afectó mucho al libro. Mi familia vivió allí 50 años, pero si lo piensas, en el contexto de la historia del planeta ese tiempo es un instante pasajero” (El Periódico, 29-11-2015). McGuire desencadena significados inesperados en cada pasar página. Revuelve en nuestros recuerdos de una forma similar a la de algunas instalaciones artísticas. Admite tantas lecturas, que es un libro del que se ha escrito y se escribirá mucho. El conocido historietista norteamericano Chris Ware dice de él: “Os garantizo que recordaréis siempre dónde estabais cuando lo leísteis por primera vez” (El País, 7-11-2015). Moda Su evolución en el siglo XX ha sido vertiginosa, convirtiéndose en uno de los fenómenos culturales que han adquirido mayor trascendencia económica y cultural. Es virtualmente la expresión icónica más ubicua, con la capacidad de influencia que eso supone. Estéticamente, cabe reseñar la integración definitiva de la ropa deportiva, de aire libre, militar, con el vestir urbano, en todas las mezclas y variaciones de posibles con otros estilos. En una cultura “pantallizada” resulta muy difícil vivir una ciudadanía crítica, positiva, transformadora, sin una adecuada formación en cultura visual Christopher Bailey, en sus diseños para la colección menswear A/W 2016-17 de Burberry, proponía el trench clásico de la marca al igual que trencas y abrigos de corte impecable, sobre chándal completo calzando sneakers. Lo hizo en los Jardines Kensington de Londres, mientras Benjamin Clementine –uno de los grandes cantautores del momento–, interpretaba en el mismo escenario algunas de sus canciones. El resultado fue un evento cultural de primera magnitud, un desfile que hay que ver. https://youtu.be/HZSZEFUMpz4 Continúa la revolución tecnológica en los tejidos.Conforman un catálogo de productos inteligentes para la mejora en el rendimiento, la seguridad y protección, nanotecnología y e-tejidos que están dando lugar a formas nuevas en las prendas. La visión ecológica ha llegado para quedarse. Afortunadamente, las marcas van asumiendo en mayor o menor medida estos valores. En sus páginas web publicitan políticas de empresa, colecciones sostenibles, comprometidas con las personas y con el medio ambiente. Hace unos años era impensable; gracias al cambio en la sensibilidad social hacia estos temas ya es una realidad. Un ejemplo extraordinario es la empresa española Ecoalf, que se define en base a su sostenibilidad. Entre otras estrategias reciclan botellas de plástico, redes de pesca, algodón, lana, neumáticos usados y posos de café. Su ropa esta diseñada con un estilo perdurable que la hace atractiva durante mucho tiempo. No es slow fashion, pero se aproxima. Con una filosofía parecida en cuanto a diseño duradero está la colección Philippe Starck, para la compañía escocesa Ballantyne. Prendas funcionales de líneas sencillas, combinables, de alta calidad en los materiales. Pensadas para jóvenes que valoran la durabilidad en la indumentaria. Poco que ver con la fast fashion o moda low-cost. Originariamente un mercado caprichoso, definido por una confección tan elevada que daba paso a un sistema de sobreconsumo. Aunque sigue siendo una industria polémica no pueden negarse las mejoras que han introducido en sus cadenas productivas, a la par que la riqueza que ayuda a distribuir. Las firmas más relevantes del sector regulan cada vez con mayor equidad el trabajo y las condiciones medioambientales de fabricación. Su principal aporte cultural radica en haber democratizado la moda. Al margen de la superficialidad y cambios excesivos, estas firmas ayudan en la educación estética del consumidor. Con precios bajos posibilitan al conjunto de ciudadanos a participar de la moda, autoexpresarse con ella, rompiendo las barreras sociales que levantaba la falta de diseño en la ropa barata. Y aun no teniendo intereses en este sentido, a vestir dignamente con pocos recursos económicos. Cine Encontramos en la cultura actual un concepto recurrente, que asimismo suele acompañar a revoluciones estéticas generando transformaciones globales. Es la transgresión. Quizás lo único que nos venga a la cabeza sea su acepción negativa; no obstante, hablamos de un auténtico valor. A veces hay cambios en la sociedad tan necesarios y difíciles que la transgresión se hace ineludible. Por desgracia, es más frecuente encontrar su versión fácil, degradante. La que utiliza como recursos para conseguirla la ofensa, el sexo, la violencia, o el parasitismo cultural. No siempre es así. En mi selección de cine quiero mostrar tres títulos recientes en los que la transgresión juega un papel importante. Está conseguida con creatividad, aplicando diferentes tácticas. El hijo de Saúl (2015). László Nemes. Saúl Ausländer forma parte del Sonderkommando del campo de concentración de Auschwitz: un grupo de judíos que, a cambio de vivir algún tiempo más, ayudan a los nazis a llevar a los presos a las cámaras de gas y a eliminar sus cuerpos. En esta rutina nocturna, el protagonista cree reconocer el cadáver de su hijo e intentará enterrarlo con un rito funerario que debería presidir un rabino. En un principio, el planteamiento es surrealista, casi podríamos decir demencial, si no fuera por la realidad histórica y el hiperrealismo visual que lo envuelve todo. La película, rodada en formato 4/3, hiere. Estimula un efecto sinestésico que nos hace oler, casi palpar la carne humana. Vamos a presenciar el horror de los campos de exterminio como nunca; eso sí, desenfocado: entendiendo perfectamente lo que vemos, pero distanciándonos de lo morboso, en un respeto al espectador que puede entenderse como herramienta expresiva. El enfoque de cámara se centra sólo en Saúl y sus compañeros. En su empeño por hacer valer la dignidad de un cuerpo –el de todos– entre las montañas de cadáveres que se queman a paladas como si fueran basura. Pocas veces hemos visto tanta humanidad en medio de tanto horror. Ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes (2015) y el Óscar a la mejor película extranjera (2016). The Square (2017). Ruben Östlund. Christian es el inteligente e idealista curator jefe del X-Royal Museum de Estocolmo, importante centro de arte contemporáneo. El último proyecto que comisaría, The Square, creará una gran polémica. Christian deberá resolver esta situación, además de problemas impredecibles al ser víctima de un robo callejero. Östlund satiriza el arte contemporáneo y lo que gira en torno a él. Lo hace inteligentemente. Es verdad que la crítica y el humor –muy nórdicos– están continuamente presentes, pero también es cierto que la película detalla atinadamente aspectos valiosos del mundo del arte, de sus instituciones culturales. Los conoce bien porque él es artista y ha expuesto. Durante una entrevista comentaba que la performance que transcurre en la cena, la imaginaba y le hubiera gustado hacerla en alguna comida durante el Festival de Cannes. Merece la pena subrayar el tratamiento de la inmigración. Con una sinceridad poco común nos muestra su cara y su cruz. Ganó la Palma de Oro en Cannes (2017). Jeannette, la infancia de Juana de Arco (2017). Bruno Dumont. Francia, 1425. Durante la Guerra de los Cien Años, la pequeña Jeannette cuida de su rebaño en el pueblo de Domrémy. Aun siendo una niña, está indignada por el sufrimiento que les causan los ingleses. Una serie de apariciones sobrenaturales y su fe la guiarán años más tarde para luchar por la salvación de su país, convirtiéndose en Juana de Arco. ¿Se puede contar la infancia de santa Juana de Arco con música heavy metal, rap y bailando? Después de ver la película, la respuesta no puede ser otra que sí. Lo llamativo es que el director lo hace sin caer en la vulgaridad, en el bodrio, sin desnaturalizar la realidad. Para conseguirlo, Dumont ha redactado las letras de los diálogos y canciones con una selección de textos de Péguy sobre la santa. Las coreografías son de Philippe Decouflé. La música, del ecléctico compositor francés Igorrr. En este musical minimalista, sin actores profesionales, la transgresión funciona a distintos niveles. Uno es el anacronismo musical, con los valores asociados a esa música frente a los que encarna en el film. Otro, el que describe así Dumont: “Cuando ves a una niña recitando la compleja poesía de Péguy, se genera un desajuste, una desproporción. De ahí surge el arte: de esa deformidad emerge la poesía” (Fotogramas, marzo 2018). Y otro vinculado a las coreografías: “La imagen de la pequeña Juana practicando el headbanging (la sacudida de cabeza de los metaleros) es una expresión de lo inefable, nos conecta con su alma de un modo profundo”. Son las palabras del director que transparentan algunas de las claves para culminar con éxito un proyecto tan arriesgado. Jesús Ruiz García es Director del Área de Cultura Visual de la Fundación Estudios de la Comunicación. (1) Donis A. Dondis, La sintaxis de la imagen. Introducción al alfabeto visual, Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 2017, 240 págs., 21,15 €. Traducción: Justo González Beramendi. T.o.: A Primer of Visual Literacy, MIT Press, Cambridge (Mass.), 1973.

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